convocatoria

 convocatoria

 El uso de dibujos técnicos en las artes permite a los artistas crear ilustraciones precisas y precisas, que pueden usarse para comunicar sus ideas y diseños a clientes, colaboradores y audiencias. Además de sus aplicaciones prácticas, los dibujos técnicos también se pueden apreciar como obras de arte por derecho propio. El uso de líneas limpias, medidas precisas y atención al detalle puede dar como resultado dibujos que son estéticamente agradables y muestran las habilidades técnicas del artista. Los dibujos técnicos en las artes también se pueden combinar con otros medios, como la acuarela o la tinta, para crear ilustraciones más expresivas y dinámicas. En general, el dibujo técnico juega un papel importante en las artes visuales, como herramienta de comunicación y como medio para crear obras de arte bellas y precisas.

La cultura Tairona fue una cultura indígena precolombina que vivió en la región de la Sierra Nevada de Santa Marta de la actual Colombia. Los tairona eran agricultores y tejedores expertos y son conocidos por su intrincada orfebrería y cerámica. La cultura Tairona desarrolló un sofisticado sistema de agricultura en terrazas, que les permitía cultivar en el terreno montañoso. Los Tairona son conocidos por sus elaboradas joyas de oro y otros objetos, que crearon utilizando técnicas como la fundición y la filigrana. Su orfebrería fue muy apreciada por los conquistadores españoles, quienes saquearon los asentamientos taironas en busca del preciado metal. Los tairona también eran hábiles alfareros y producían una amplia variedad de cerámicas, incluidas vasijas de uso diario, vasijas efigie en forma de animales y humanos, y esculturas monumentales de gran tamaño. Los Tairona también son conocidos por sus innovaciones arquitectónicas, incluida la construcción de plazas circulares en terrazas y casas elevadas que se construyeron sobre pilotes. A pesar de los desafíos planteados por el terreno accidentado y el clima difícil, la cultura Tairona prosperó durante muchos siglos y dejó un rico legado de arte y cultura. Hoy, el pueblo Tairona y sus descendientes continúan viviendo en la región de la Sierra Nevada de Santa Marta y mantienen muchas de sus prácticas y creencias tradicionales.

composición

 composición

 La composición se refiere al acto de crear o juntar diferentes elementos para formar un todo. En las artes, la composición se refiere a la disposición de los elementos visuales en una obra de arte, como una pintura o una fotografía. En literatura, la composición se refiere a la disposición de palabras e ideas en una obra escrita. En música, la composición se refiere al proceso de creación de una pieza musical. En matemáticas, la composición se refiere a la combinación de funciones para formar una nueva función. En general, la composición es la creación de algo mediante la combinación de varias cosas diferentes. En fotografía, la composición se refiere a la colocación de sujetos, objetos y otros elementos visuales dentro de un marco para crear una imagen visualmente agradable. En general, el término composición se refiere a la disposición, estructura o combinación de diferentes elementos para formar un todo, se refiere al patrón de diseño en el que los objetos se combinan para formar objetos más grandes

textura

La textura en el arte se refiere a la calidad de la superficie o la sensación de una obra de arte, ya sea real o implícita. Puede referirse a la textura física real de un material, como la superficie rugosa de una piedra o la suavidad del metal. La textura también puede referirse a la representación visual de la superficie de un objeto, como una pintura que da la ilusión de una textura áspera o suave. Los artistas usan la textura para agregar profundidad, interés y dimensión a sus obras y para crear contrastes entre diferentes elementos. 

equilibrio 

la distribución de elementos visuales en una composición para crear una sensación de estabilidad y equilibrio. Hay dos tipos de equilibrio en el arte: simétrico y asimétrico. El equilibrio simétrico implica la disposición de los elementos en forma de espejo, creando una sensación de estabilidad y formalidad. El equilibrio asimétrico implica la disposición de elementos que son diferentes en tamaño, forma y peso, creando una sensación de movimiento dinámico y tensión. Los artistas utilizan el equilibrio para crear armonía visual y dirigir la mirada del espectador hacia áreas específicas de la obra de arte.

gravedad

se refiere a la ilusión de peso y la fuerza hacia abajo que se crea en una obra de arte. Los artistas utilizan técnicas como la superposición, el tamaño y la ubicación de los objetos para crear la ilusión de la gravedad y dar una sensación de espacio tridimensional. Al hacer que los objetos parezcan afectados por la gravedad, los artistas pueden crear una sensación de realismo y mejorar la ilusión de profundidad en sus composiciones. El uso de la gravedad también puede ayudar a transmitir un estado de ánimo o mensaje, por ejemplo, al representar objetos colapsando o siendo pesados, el artista puede evocar una sensación de tristeza, derrota o inestabilidad.

escala

se

refiere al tamaño de un objeto o elemento en una obra de arte en relación con otros elementos y con la obra de arte en su conjunto. Los artistas usan la escala para crear interés visual y transmitir una sensación de proporción, distancia y profundidad. Los objetos de mayor escala pueden aparecer más cerca del espectador, mientras que los objetos más pequeños pueden parecer más lejanos. La escala también se puede utilizar para crear contrastes, enfatizar ciertos elementos y dirigir la mirada del espectador. Los artistas también pueden manipular la escala para transmitir un estado de ánimo o mensaje particular, como hacer objetos más grandes o más pequeños de lo que serían en realidad para expresar una sensación de poder, vulnerabilidad o grandeza.

contraste

diferencias entre los elementos de una obra de arte, como las diferencias de color, valor, textura y forma. Los artistas usan el contraste para crear interés visual, atraer la atención del espectador hacia áreas específicas de la obra de arte y enfatizar ciertos elementos. Un alto contraste puede crear una sensación de drama, mientras que un bajo contraste puede evocar una sensación de calma. El uso del contraste también puede ayudar a transmitir profundidad, separar los elementos de primer plano y de fondo y crear una sensación de equilibrio en una composición. Al combinar y manipular diferentes contrastes, los artistas pueden crear una amplia gama de efectos en su trabajo y expresar una variedad de estados de ánimo y mensajes.

patrones 

se refieren a la repetición de elementos, como líneas, formas, colores y texturas, para crear un diseño decorativo u ornamental. Los artistas usan patrones para agregar interés, textura y profundidad a sus obras y para crear una sensación de ritmo y unidad. Los patrones se pueden encontrar en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura, grabado, textiles y arquitectura. Pueden variar desde simples y geométricos hasta complejos y orgánicos, y pueden usarse para evocar diferentes estados de ánimo, desde tranquilos y pacíficos hasta enérgicos y dinámicos. Los artistas también pueden usar patrones para crear simbolismo, transmitir referencias culturales o hacer una declaración.

circilo cromático

 circulo cromático 

En color, armonizar significa armonizar los diferentes valores que adquieren los colores en una composición, es decir, cuando en una composición todos los colores tienen partes en común con el resto de los colores componentes. Los armónicos son combinaciones que se modulan usando el mismo tono o diferentes tonos, pero mantienen cierta relación con el color elegido, se refieren a diagramas circulares que organizan los colores de manera sistemática, en función de sus relaciones entre sí. El círculo cromático más conocido es la rueda de colores, que fue introducida por primera vez por Sir Isaac Newton en el siglo XVII. La rueda de colores generalmente se divide en 12 secciones, con colores primarios (rojo, azul y amarillo) a la misma distancia entre sí, colores secundarios (verde, naranja y morado) ubicados entre los colores primarios y colores terciarios ubicados entre el colores primarios y secundarios. Los círculos cromáticos son utilizados por artistas, diseñadores y teóricos del color para comprender y analizar las relaciones de color, elegir combinaciones de colores armoniosas y crear interés visual mediante el uso de colores contrastantes. Al comprender las relaciones entre los colores en el círculo cromático, los artistas y diseñadores pueden crear una amplia gama de efectos, desde sutiles y armoniosos hasta audaces y llamativos.

la armonía es esencial en una composición y para hacer buen uso de los colores existen diferentes tipos de armonía en  especial tres 

-Armonía por contraste: colores opuestos del circulo

-Armonía análoga :colores seguidos

-Armonía de tres colores:  triangulo

 Colores complementarios

Se encuentran simétricos respecto del centro de la rueda. El matiz varía en 180° entre uno y otro. Estos colores se refuerzan mutuamente, de manera que un mismo color parece más vibrante e intenso cuando se halla asociado a su complementario

Colores complementarios cercanos

Tomando como base un color en la rueda y después otros dos que equidisten del complementario del primero

Obtener armonía es mucho más fácil de lo que suena, de hecho existen varios esquemas que ayudan a encontrar de una forma muy sencilla los colores ideales que pueden cohabitar